Trois voix. « Ce matin d’avril, elle se leva de son lit et appela. » La voix, chez Daniele Ghisi, fait de cette phrase de Beckett, un refrain inflexible, une chute chromatique imperturbable. Tout un monde électronique  et instrumental va en changer l’environnement, parcourant de gigantesques bases de données  de la musique contemporaine. La voix chez Mikel Urquiza, est celle de la poétesse danoise Inger Christensen. Son recueil joue  de la force génératrice de l’alphabet. Musicalement parlant, un mélange virtuose de fantaisie  et de contrôle. « Oui et son cœur est devenu fou et j’ai dit oui  je veux oui. » La voix chez Rebecca Saunders  est celle de Molly Bloom, dans le monologue final  de l’Ulysse de Joyce. C’est aussi celle de Juliet Fraser, qui vient faire apparaître sous la parole, l’énergie,  le souffle, l’intensité maximale, et l’inconscient. 

 Il est recommandé de se présenter 15 minutes avant le début de chaque séance ou activité

Deuxième rendez-vous du festival avec un quatuor, ici les Tana adeptes d’exploration sur le timbre  et les modes de jeux, proches aussi de l’équilibre entre forme et matériau, que réalise Ivan Fedele. Daniel D’Adamo observe ce qu’il nomme  des « nano-sons », une matière minuscule  et détaillée, sons soufflés, craquelés, bruités qui vont constituer des profils plus larges et articulés, une véritable trajectoire dans l’espace. « Comme dirait Pascal Quignard, on naufrage et c’est vers l’impureté exprimée étrangement dans l’extrême aigu que les profondeurs nous mènent. » Le quatuor avec électronique de Philippe Hurel témoigne  de sa prédilection pour la vitesse, pour la nervosité rythmique. L’électronique procède d’un micro-montage où les sons produits en studio viennent iriser, colorer, spatialiser des événements. En filigrane,  une dramaturgie par la mobilité de l’écriture  et de l’écoute aux aguets.

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Si « Dire, c’est faire », cette soirée se dédie entièrement à l’acte performatif ! Dadaïsme, archives vivantes et écriture vocale, Speech met en scène l’instrument qui parle, l’agent numérique qui combine, le mot et la chose. En guise d’entrée et d’archétype, la sonate de Kurt Schwitters, proférée par le flûtiste d’Ictus, Mike Schmid. En clôture, la poésie et l’émeute vocales  de Bernard Heidsieck avec son Vaduz, centre de l’Europe et du Liechtenstein, pris à bras-le-corps  par Jean-Luc Plouvier. La technologie participe au jeu de la performance : le logiciel OMax permettant à Billie Holiday, Édith Piaf et Elisabeth Schwarzkopf de partager la même scène, le piano player de Peter Ablinger qui recouvre et révèle une voix historique. Au cœur de « Speech », Rebecca Saunders rencontre l’électronique de l’Ircam. The Mouth, en création,  se tient sur le seuil entre monde intérieur et extérieur, monologue et paroles articulées. Une descente littérale dans l’intérieur de la cavité buccale, devenue centre du monde.

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Avec cette reprise de Kyema, Éliane Radigue rencontre ici pour la première fois la spatialisation made in Ircam. Inspirée par le Livre tibétain des morts, cette pièce initiale de la Trilogie de la Mort évoque les six états intermédiaires qui constituent une continuité existentielle de l’être (naissance, rêve, contemplation, mort, claire lumière, traversée et retour). Cette aventure dans les méandres infinitésimaux de l’écoute, inaugure le dôme  de haut-parleurs couvrant la grande scène  du Centre Pompidou. 

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Philippe Quesne présente sa dernière création, Farm Fatale, à l’invitation du Centre Pompidou. Sa pièce, à la fois fable écologique et ode à « un théâtre de la décélération post apocalyptique », fait écho à l'installation de son île issue de Crash Park Circus devenue l'épicentre du festival littéraire Extra ! dans le Forum-1. 
Visionnaire de paysages artificiels, Quesne nous plonge dans un univers où tout évoque la ferme : bottes de paille, chant du coq et des oiseaux, ustensiles agraires. Le petit groupe d’épouvantails poètes et musiciens qui habite ce monde chante, joue de la musique, invente des slogans, se livre à un archivage du vivant et s’abandonne parfois à la philosophie. Aussi drôles que d’une gentillesse désarmante, ces héros tentent envers et contre tout d’échapper au capitalisme destructeur de forêts, de terres, d’océans… et de sauver les vies multiples de ce qui grouille, parle, poétise et pense tout autour de nous.  
Avant chaque représentation, Philippe Quesne et Camille Louis nous invitent à Des Vies à défendre, rencontres autour de Farm Fatale. Avec les philosophes Bruno Latour, Emanuele Coccia, et l’historienne Marielle Macé et une programmation surprise imaginée pour la Nuit Blanche. Avec Nanterre-Amandiers, centre dramatique national

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Après Affordable Solution for Better Living, drame domestique dans lequel un individu fabrique son identité masculine en construisant une étagère Ikéa, le plasticien Théo Mercier et le chorégraphe Steven Michel poursuivent leur exploration commune du biopouvoir.  
BIG SISTERS est une pièce pensée et conçue avec quatre danseuses âgées de 23 à 65 ans, Laura Belgrano, Lili Buvat, Marie de Corte et Mimi Wascher. 
Imaginée à la manière d’un film expérimental et prenant appui sur Les Guérillères, l’épopée utopique de Monique Wittig, BIG SISTERS se déploie comme une fresque cinématographique et kaléidoscopique sur la femme et ses représentations. Alternant entre autoportraits et portraits mis en scène, science-fiction et reconstitutions historiques, BIG SISTERS tente de mettre en lumière la chorégraphie complexe des regards qui sont en jeu dans la mise en scène de corps féminins invitant chacun et chacune à prendre conscience de son pouvoir et à le mettre en œuvre. 
Avec Nanterre-Amandiers, centre dramatique national 

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Déclarations d’amour ou de guerre, promesses politiques ou personnelles, expressions de menace ou de gratitude : dans Suite N° 2, c’est le verbe qui mène l’action. Toutes les paroles interprétées au cours du spectacle sont réelles : chacune a été prononcée un jour, quelque part dans le monde et collectée par l’Encyclopédie de la parole. Foisonnantes et éclectiques, elles se rencontrent orchestrées dans une partition composée par J Lacoste, harmonisée par le compositeur PY Macé, et portée par un quintette d'interprètes polyglottes. Suite N° 2 est le deuxième volet d’une série de pièces chorales que le collectif consacre aux différentes formes de production et de réception de la parole.
L’Encyclopédie de la parole est un projet artistique qui explore l’oralité sous toutes ses formes. Depuis 2007, ce collectif de musiciens, poètes, metteurs en scène, plasticiens, acteurs, sociolinguistes, curateurs, collecte toutes sortes d’enregistrements de parole et les inventorie en fonction de phénomènes particuliers telles que la cadence, la choralité, l’emphase, la saturation ou la mélodie. À partir de ce répertoire comprenant aujourd’hui près de huit cents documents sonores, l’Encyclopédie de la parole produit des pièces sonores, des spectacles, des performances, des conférences ou des installations. 

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À l’occasion du 40eanniversaire de la mort de Roland Barthes, le compositeur Nicolas Frize rend hommage au penseur à travers une création qui mêle art et philosophie, sémiologie et performance musicale et textuelle. 

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Puisant autant dans les arts visuels que dans le théâtre, inventrice d’univers scéniques singuliers, la jeune artiste et metteuse en scène italienne Silvia Costa propose une nouvelle version de sa création présentée au Vorarlberg Landestheater de Bregenz, une nouvelle création en deux temps. 
Elle s’adonne tout d’abord au théâtre de l’absurde avec une mise en scène de la pièce Comédie de Samuel Beckett. Ici, le drame sourd et existentiel se cache derrière la trame d’un triangle amoureux : la solitude des amants morts est prise dans une géométrie sentimentale interdite. Pour prolonger ce huis clos sur un plan formel, Silvia Costa propose ensuite Wry smile Dry sob (sourire en coin, sanglot sans larmes), une installation chorégraphique et sonore conçue avec le compositeur Nicola Ratti. Les trois acteurs sont rejoints par trois danseuses, pour déployer le visage d’hommes et de femmes perdus dans la répétition inlassable du même, coincés dans leur subjectivité et leur version de l’histoire. Jouant encore et encore leur partition en soliste, ces personnages ne peuvent rejoindre le concert du monde. Quelle plus grande tragédie que de se découvrir multiple et pourtant incapable de rencontrer l’altérité ? 
Avec le Festival d’Automne à Paris 

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Dans le cadre d’une carte blanche proposée par le Festival, Dorothée Munyaneza présente un concert performatif avec des artistes qu’elle admire et partage ainsi la scène en musique et en poésie. Avec le Festival d’Automne à Paris et le Théâtre de la ville et dans le cadre de la saison Africa 2020

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Après Samedi Détente, pièce dans laquelle Dorothée Munyaneza revenait sur ce qu’elle a vécu des événements sanglants de l’année 1994 au Rwanda, dont elle est originaire, Unwanted entremêlait dans une symphonie de mots, de mouvements, de chants et de sons, les récits de femmes victimes de viols de guerre. 
Avec Mailles, la chorégraphe, chanteuse et autrice revient avec un spectacle choral pour des femmes artistes, africaines ou afro-descendantes, dans lequel chaque corps et chaque voix raconte son parcours, son engagement et sa force. Rassemblées, elles disent aussi quelque chose de ce que signifie être une femme de nos jours. 
Leurs mémoires peuplées de souvenirs, de langues, de sensibilités et de récits au présent conversent sur le plateau avec rage, créant les mailles d’un même tissu. Dans cette symphonie à sept voix, Dorothée Munyaneza cherche à coudre ces histoires en collaboration avec la designeuse et plasticienne Stéphanie Coudert : le costume et la matière offrent un fil rouge sur le plateau, interrogeant le féminin et la liberté des corps. 
Avec le Festival d’Automne à Paris et le Théâtre de la ville et dans le cadre de la saison Africa 2020 

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